Le glockenspiel
Le Glockenspiel
![]() Femme jouant du glockenspiel |
Le glockenspiel est un instrument de musique à percussion de la famille des idiophones, composé de lames de métal (ou de bois) mises en vibration à l'aide d'un maillet ou d'un clavier. En allemand, glockenspiel signifie carillon (litt : "jeu de cloches") cet instrument étant à l'origine composé de clochettes.
Facture
Le glockenspiel est un instrument de la famille des percussions, construit comme un xylophone, mais l'utilisation de lames métalliques lui donne une sonorité claire rappelant celle d'un carillon.
Jeu
Le musicien les frappe à l'aide de maillets ou de baguettes, en bois ou en caoutchouc, selon la sonorité recherchée.
Le jeu de lames permet de couvrir deux à trois octaves de la gamme chromatique. Son registre aigu et son timbre brillant font qu'il reste perceptible au milieu d'un orchestre symphonique.
Le glockenspiel est utilisé dans les œuvres pour orchestre classiques et contemporaines. Trois célèbres illustrations souvent matérialisées comme carillons se trouve dans l'opéra La Flûte enchantée (1791) de Mozart, la Danse de la Fée Dragée dans le ballet Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski et la pièce pour percussions Drumming (1971) de Steve Reich.
Le glockenspiel est aussi largement utilisé dans les fanfares de guggenmusik, qu'on rencontre dans les divers carnavals de l'est ou du nord.
Il est devenue l'emblème sonore de l'émission radiophonique française très populaire le jeu des 1000 euros sur france inter.
On le retrouve également dans la musique populaire, le indie rock et la musique du monde, notamment sur certains albums de Radiohead, les Beatles, Patrick Watson, Sagapool, Arcade Fire et Hanne Hukkelberg.
(Source: wikipedia.org - copyright les auteurs - article sous GFDL)
Glossaire
L'échelle chromatique
Dans le solfège, l’échelle chromatique désigne une échelle musicale composée des sept degrés de l'échelle diatonique additionnés de cinq notes intermédiaires, ces dernières partageant chaque ton en deux demi-tons au moyen d'altérations.
- Alors que l'échelle diatonique se présente sous la forme de demi-tons diatoniques isolés encadrant des groupes alternés de deux et trois tons, l'échelle chromatique n'est qu'une succession de demi-tons — cinq demi-tons chromatiques et sept demi-tons diatoniques. Cette quasi-identité des intervalles conjoints brouille les repères et a tendance à générer un flou tonal.
- L'échelle chromatique et les notes intermédiaires :
Période classique
Les gammes musicales
Dans la musique, une gamme est l'ensemble des notes que peut utiliser une mélodie, ou que joue un instrument.
Pour représenter cet ensemble et discuter de la tonalité, c'est-à-dire des rapports structurels entre notes, elle est représentée conventionnellement par la succession des différentes notes d'une échelle, sur l'étendue d'une octave, les notes émises dans les octaves supérieures ou inférieures étant représentées par leur homonymes dans l'octave de référence.
Dans la musique occidentale, trois types de gammes particulières ont connu, avec leurs éventuelles variantes, une fortune importante :
- la gamme pythagoricienne, fondée sur le cycle des quintes ;
- les gammes « naturelles », fondées sur les sons harmoniques ;
- La gamme tempérée à intervalles égaux.
Elles constituent d'ailleurs entre elles des systèmes musicaux suffisamment voisins (soit 12 demi-tons par octave) pour permettre d'exécuter une œuvre musicale dans l'un quelconque de ces systèmes sans la déformer de façon trop sensible.
L'harmonie
Dans son sens le plus large, le mot harmonie désigne traditionnellement une des quatre composantes de la musique — les trois autres étant le rythme, la mélodie et le timbre.
L'harmonie relève de l'utilisation délibérée de fréquences simultanées, dans la perspective d'apporter relief et profondeur au chant ou au jeu instrumental : elle représente donc l'aspect vertical de la musique, tandis que la mélodie en représente l'aspect horizontal.
Wolfgang Amadeus Mozart
Johannes Chrysostomus Wolfgang Theophilus Mozart, plus connu sous le nom de Wolfgang Amadeus Mozart (né à Salzbourg, principauté du Saint Empire romain germanique, le 27 janvier 1756 – mort à Vienne le 5 décembre 1791) est généralement considéré comme l’un des plus grands compositeurs de la musique classique européenne.
Bien que mort à trente-cinq ans, il laisse une œuvre importante (626 œuvres sont répertoriées dans le Catalogue Köchel) qui embrasse tous les genres musicaux de son époque.
Selon le témoignage de ses contemporains c’était, au piano comme au violon, un virtuose.
La Musique Populaire
Le terme musique populaire est employé selon une définition plus ou moins large, on l'appelle aussi musique pop. Initialement utilisé pour toute musique hors le classique, sa définition évolue au XIXe siècle en excluant la musique folklorique, plutôt appelée musique traditionnelle aujourd'hui.
L'octave en musique
L'éthymologie du mot octave vient de la musique : il faut huit notes pour avoir une fréquence deux fois plus haute.
En effet, pour jouer un la au diapason, il faut produire une fréquence de 440 Hz ; pour jouer un la une octave au-dessus, il faut produire une fréquence de 880 Hz, c'est-à-dire, exactement le double.
En musique, une octave est l’intervalle séparant deux sons dont la fréquence fondamentale de l'un vaut le double de la fréquence de l'autre. Divisée en plusieurs sous-intervalles, elle permet de définir les gammes.
L'orchestre symphonique
Un orchestre symphonique est un ensemble musical formé des quatre familles d'instruments : cordes, bois, cuivres et percussions.
Il est issu de l'orchestre à cordes de la période baroque qui progressivement s'est étoffé de hautbois, de bassons, parfois de cors, de trompettes, et de timbales.
La période classique avec Gossec, Haydn ou Mozart voit souvent les vents s'architecturer par deux (2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 2 cors, 2 trompettes).
Les pupitres de la période romantique s'ordonnancent plutôt par trois avec l'ajout plus ou moins systématique d'instruments comme le piccolo, le cor anglais, la clarinette basse, les saxophones, le contrebasson, les trombones ou le tuba.
C'est aussi la période qui connaît la grande évolution des percussions.
Au début du XXe siècle, l'orchestre symphonique peut être de grande taille, généralement, plus de quatre-vingt musiciens, l'effectif dépassant parfois la centaine d'instrumentistes.
Depuis la fin du XVIIe siècle, sa principale fonction est dédiée à l'exécution, dans les salles de concert, d'œuvres symphoniques ou concertantes, profanes ou sacrées.
Cette formation est également utilisée pour l'accompagnement en fosse, dans les salles d'opéra, des représentations d'art lyrique ou chorégraphique.
Les compositeurs de musiques de film, héritières des musiques de scène, utilisent eux-aussi toutes les ressources musicales et expressives de l'orchestre symphonique.
Le Rock
Pendant la fin des années 1960 et le début des années 1970s, le rock a développé plusieurs sous-genres. Il a été mélangé avec la musique folk, (ce qui donna le folk rock), avec du blues (blues rock) et avec du jazz (jazz-rock fusion).
Dans les années 1970, le rock fut influencé par la soul, le funk, et la musique latine. Egalement pendant les années 1970, le rock développa beaucoup de sous-genres comme le soft rock, glam rock, heavy metal, hard rock, progressive rock, et punk rock.
Parmi les sous-genres du rock ayant émérgé pendant les années 1980 il y a la new wave, le hardcore punk et le rock alternatif.
Pendant les années 1990, les nouveaux sous-genres du rock incluent le grunge, le Britpop, l'indie rock, et le nu metal.
Un groupe de musiciens spécialisés dans le rock est appelé un groupe de rock. La plupart des groupes de rock sont composés d'un guitariste éléctrique, d'un chanteur principal, d'un bassiste et d'un batteur, ce qui forme un quartet. Certains groupes omettent un ou plusieurs de ces rôles ou comprennent un chanteur jouant un instrument en même tant qu'il chante, formant ainsi un trio ou duo; d'autres comprennent des musiciens supplémentaires comme comme un ou deux guitariste rythmique, ou un clavieriste. Plus rarement, des groupes utilisent également des instruments à cordes comme des violons ou des violoncelles, des instruments à vent comme un saxophone, des cuivres ou des instruments tels que des trompettes ou des trombones.
Plus récemment, le terme rock a été utilisé comme un terme générique incluant des formes comme la pop music, la soul music, et parfois même le hip hop, avec qui il est souvent opposé.[1] Le rock est devenu une véritable "philosophie" avec sa dominance culturelle, du cinéma aux bandes dessinées en passant par la mode vestimentaire.
Steve Reich
Steve Reich, né Stephen Michael Reich le 3 octobre 1936 à New York, est un musicien et compositeur américain de renommée internationale.
Il est considéré comme un des pionniers de la musique minimaliste et de la musique répétitive, courant né au sein de la musique classique des États-Unis.
Pour caractériser son œuvre, et spécialement ses compositions de la période 1965-1976, il préfère utiliser l'expression « musique de phases » (traduite de l'américain) pour la différencier de la musique répétitive.
Piotr Ilitch Tchaïkovski
Piotr Ilitch Tchaïkovski est un compositeur russe de l'ère romantique né le 25 avril du calendrier julien / 7 mai 1840 à Votkinsk et mort le 25 octobre du calendrier julien/6 novembre 1893 à Saint-Pétersbourg.
Il fut, avec Rimski-Korsakov, l'un des plus grands compositeurs russes de la seconde moitié du dix-neuvième siècle.
Tchaïkovski était un compositeur éclectique. Son œuvre, d'une inspiration plus occidentale que celle de ses contemporains, incorpore en effet des éléments internationaux, mais ceux-ci sont additionnés à des mélodies folkloriques nationales.
Le tempo
Dans le solfège, le tempo — au pluriel : des « tempos » et non des tempi, seul pluriel français valide, selon Grevisse — est l'allure (la rapidité relative, la vitesse, ou encore, le mouvement) d'exécution d'une œuvre musicale. C'est ainsi qu'un tempo rapide détermine des temps courts, tandis qu'un tempo lent détermine des temps longs. « Temps » et « tempo » renvoient au même phénomène sous des éclairages différents.
En italien, tempo signifie « temps », mais, en musique, il convient de distinguer le « tempo » du « temps », même si l'un et l'autre sont étroitement liés.
Le récitatif (très employé dans les opéras) est l'exemple même de composition musicale dénuée de tout tempo. Dans un récitatif, les valeurs musicales ne sont qu'indicatives, et l'interprète doit essayer avant tout d'imiter le rythme libre du langage parlé.