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Texte à méditer :  Je ne suis pas Musicien, mais j'aime la musique de passion; si un air me touche, s'il m'amuse, je l'écoute avec délice, je n'examine pas si la musique est Française ou Italienne; je crois même qu'il n'y en a qu'une.  Carlo Goldoni
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Chorale

Chorale et orchestre en disposition historique
Une chorale d'enfants à Berlin en 1932

Dans la musique occidentale, une chorale désigne un ensemble vocal, dont les membres, appelés choristes, chantent collectivement les différentes parties musicales destinées à ce type de formation sous la direction d'un chef de chœur.

  • Le mot « chorale » est globalement synonyme de « chœur ». Les deux mots ont cependant des connotations différentes.
Le mot « chœur » renvoie habituellement à un ensemble constitué de choristes professionnels et rémunérés, recrutés par une institution ou un organisme officiel — « le chœur de tel théâtre », « le chœur de telle région », « les chœurs de tel opéra », etc.
Le mot « chorale » au contraire, désigne plus volontiers un groupe d'amateurs, la plupart du temps bénévoles, volontairement réunis autour de l'amour du chant choral — « la chorale d'un collège », « la chorale d'une paroisse », « la chorale du village », etc.
De façon intermédiaire, le terme « ensemble vocal » désigne un groupe plus petit et/ou avec une exigence musicale plus grande, même s'il est amateur.
  • Selon l'âge et le sexe des choristes, on pourra distinguer :
la chorale d'enfants, ou chœur d'enfants ;
la chorale d'hommes, ou chœur d'hommes, ou chœur masculin ;
la chorale de femmes, ou chœur de femmes, ou chœur féminin ;
la chorale mixte — hommes et femmes —, ou chœur mixte.
  • Les membres d'une chorale peuvent être répartis en plusieurs groupes, appelés pupitres ou voix. Ces divers groupes sont destinés à interpréter autant de parties musicales différentes.
Par exemple, une chorale mixte comprend le plus souvent quatre pupitres, deux pupitres féminins — soprano et alto — et deux pupitres masculins — ténor et basse (chœur SATB).
  • Les chorales peuvent également se distinguer par le choix du répertoire, avec une large variété de situations dictées par des choix musicaux ou de nature plus sociologique, et par exemple :
musique sacrée et/ou musique profane ;
musique militaire, folklorique, révolutionnaire ;

Voix (instrument)

La voix est l'un des instruments de musique les plus anciens.

La production du son vocal, ou phonation, est obtenue par l'envoi d'air à travers deux cordes vocales en vibration, situées dans le larynx, puis par amplification et résonance grâce aux différents organes résonateurs, comme le pharynx, la cavité buccale ou les fosses nasales.

La voix humaine est capable de produire une très grande variété de fréquences.

C'est en modifiant la tension, et surtout, l'épaisseur des cordes vocales, que l'on peut changer leur fréquence de vibration, ce qui a pour effet de faire varier la hauteur des sons émis par la voix. Toutes ces modifications sont le fruit d'actions neuro-cérébrales.

Description

Il existe différents types de voix. On différencie communément les voix de femmes et d'enfants et les voix d'hommes, les voix féminines et enfantines étant plus aiguës que les voix d'hommes (sauf rares exceptions). Dans cette classification, on peut même affirmer qu'il existe des voix graves et des voix aiguës de femmes et d'enfants, tout comme il existe des voix graves et des voix aiguës d'hommes. Cela nous mène à la conclusion qu'il existe quatre types de voix, nommées comme suit en termes musicaux :

  • Les sopranos, ou voix aiguës de femmes et d'enfants
  • Les altos, ou voix graves de femmes et d'enfants
  • Les ténors, ou voix aiguës d'hommes
  • Les basses, qui comme leur nom l'indique correspondent aux voix graves d'hommes.

Cette classification se fait en fonction du timbre, de l'épaisseur, et de la tessiture de la voix ; terme utilisé en musique pour désigner une échelle sonore définie, dans laquelle la voix peut émettre des sons aisément, en gardant une homogénéité de timbre.

Ces registres, aussi appelés tessiture, sont les suivants :

Il est à noter que les tessitures féminines ci-dessous sont uniquement valables pour les chanteuses lyriques car ces dernières faussent (chantent en voix de tête) sur toute leur étendue, tandis que les chanteuses de variété poitrinent et donc descendent plus bas, et montent moins haut, mais si elles faussent elles montent aussi haut que la typologie vocale qui leur correspond dans la liste suivante.

  • Soprano : la tessiture de soprano la plus fréquente s'étend du do central au contre-ut (do3 - do5), les typologies de soprano sont classées ainsi :
    • Soprani coloratures ou soprani aigus:
      • Soprano léger colorature ou soprano léger: voix très agile, brillante, flûtée et d'une grande pureté, mais peu puissante, avec des graves souvent sans timbre, s'étendant du ré grave au contre-sol voire contre-si bémol (ré3 - sol/si5). Notons que les airs pour soprano léger colorature sont très souvent accompagnés d'une flûte, l'une imitant l'autre.
      • Soprano lyrique colorature: voix aussi agile, pure, et éclatante que le soprano léger, mais chaleureuse et plus ample et aux registre plus homogénes, et s'étendant du do central au contre-fa (do3 - fa5).
      • Soprano dramatique colorature: voix très agile, chaleureuse et riche, aisée autant dans le grave que le suraigu, pouvant passer incessament de l'un à l'autre sans la moindre difficulté, dotée d'une puissance soit de soprano lirico-spinto, soit de soprano dramatique, s'étendant du si grave au contre-fa (si2 - fa5).
    • Soprani lyriques:
    • Il est à noter que les voix lyriques (que ce soit des soprani ou des barytons) sont très aptes au legato.

      • Soprano lyrique léger: voix agile (mais pas autant que les soprani coloratures), très limpide, brillante, et chaude, à l'ampleur limitée, se distinguant par une ligne de chant très pure, s'étendant du do central au contre-mi bémol (do3 -mib5).
      • Soprano lyrique: Il s'agit, de loin, de la typologie féminine la plus répandue, c'est une voix ample, pure et chaleureuse, ni suraigue, ni dramatique, s'étendant du do central au contre-ut (do3 - do5).
      • Grand soprano lyrique: voix possédant les caractéristiques du soprano lyrique, mais dont le timbre est plus large, ce qui lui permet de passer à travers des orchestres imposants et dont la tessiture s'étend du do central au contre-ut (do3 - do5).
      • Soprano lirico-spinto: voix chaleureuse, capable de puissants éclats dramatiques et de colorations, s'étendant du do central au contre-ut (do3 - do5).
    • Soprani dramatiques:
      • Soprano dramatique ou wagnérienne: voix passant facilement à travers les orchestres les plus étoffés, à la couleur chaude et métallique à la fois, s'étendant du si grave au contre-ut (si2 - do5).
      • Soprano Falcon : voix possédant les mêmes caractéristiques que la typologie précédente, mais ayant un grave de mezzo et un aigu peu facile, elle s'étend du sol grave au si aigu (sol2 - si4).
  • Mezzo-soprano, (également apellée Mezzo) :
    • Mezzo-soprano colorature: voix pure, chaleureuse, ronde, et très agile, possédant quasiment un aigu de soprano, mais ne pouvant s'y maintenir aussi longtemps que ce dernier, au risque de se faire mal, sa tessiture s'étend du la grave au si aigu ( la2 - si4 ).
    • Mezzo-soprano léger ou Dugazon (du nom de Madame Dugazon, célèbre interprète de la fin du XVIIIe siècle), voix pure, chaleureuse, ronde, et agile, s'étendant du la grave au la aigu (la2 - la4).
    • Mezzo-soprano lyrique: voix moyennement puissante dotée de couleurs chaudes dans le grave, souvent très étendue d'un côté à de l'autre du registre. Plus clair et agile que le dramatique, le mezzo lyrique garde une texture de voix riche, enveloppante et sombre sans lourdeur.
    • Mezzo-soprano dramatique ou Galli-Marié (du nom d'une autre célèbre cantatrice française de la fin du XIXe siècle, Célestine Galli-Marié) : voix chaude, enveloppante, puissante, sombre dans les grave et les médiums, éclatante dans les aigus, elle se rapproche du contralto dramatique, d'ailleurs cette typologie étant devenue très rare, elle est souvent remplacée par un mezzo-soprano dramatique. La tessiture du mezzo-soprano dramatique s'étend du sol grave au la aigu ( sol2 - la4) .
  • Contralto:
    • Contralto colorature: voix très agile, au timbre ample et sombre, chaleureux, et rond, et à l'aigu éclatant, sa tessiture s'étend du fa grave au sol aigu (fa2 - sol4). Ce type de voix étant aussi rare que le contralto dramatique, elle est la plupart du temps remplacée par un mezzo-soprano colorature.
    • Contralto dramatique: voix ample et sombre, au timbre chaud, rond et naturellement riche, au grave ténorisant et naturellement profond, sans grossissement artificiel. Sa tessiture s'étend du do grave au sol aigu (do2 - sol4). Le terme contralto s'applique aux voix féminines mais peut désigner, dans la musique baroque, une voix masculine. On précise alors alto masculin.
  • Ténor:
    • Haute-contre : voix très agile, d'une grande pureté, brillante, à l'aigu facile, mais à l'ampleur limitée, poitrinant dans le grave et le médium, faussant dans l'aigu, et s'étendant du do grave au contre-fa (do2 - fa4).
    • Ténor léger : mêmes caractéristiques que la typologie précédente, mais ne chante pas en voix de fausset, s'étend du do grave au contre-ut (do2 - do4).
    • Ténor lyrique léger : mêmes caractéristiques que la typologie précédente, sauf la puissance qui est plus intense, mais plus limitée que celle du ténor lyrique s'étend du do grave au contre-ut (do2 - do4).
    • Ténor lyrique : voix ample, chaude, pure, riche et pleine, s'étendant du do grave au contre-ut (do2 - do4).
    • Ténor lirico-spinto : mêmes caractéristiques que la typologie précédente, mais timbre plus large, tessiture s'étendant du do grave au contre-ut (do2 - do4).
    • Ténor dramatique : mêmes caractéristiques que la typologie précédente, mais timbre plus épais, ce qui lui permet de passer facilement à travers des orchestres très étoffés.
    • Heldentenor, fort ténor, ou ténor wagnérien : voix chaude, êxtremement étoffée, et percutante (plus de 120 dB à 1 métre), au grave au médium sombre et barytonnant et à l'aigu éclatant, mais pas facile, sa tessiture s'étend du sol ou la grave au la aigu (sol/la1 - la3).
  • Basse : mi1 - 3 ; les barytons (la bémol1 - fa3) constituent la catégorie la plus aiguë, les basses nobles ont une voix extrêmement grave et étendue (do1 - mi3)

Les notes extrêmes dans l'aigu (au-dessus du do4 pour les hommes, et au-dessus du do5 pour les femmes ou les enfants) sont également appelées « contre-xxx ». Exemple : le contre-ut du ténor correspond au do4, le contre-mi de la soprano au mi5. Cette classification est assez stricte mais il est certain que ces registres peuvent varier d'un individu à l'autre. Berlioz, dans son Traité de l'orchestration, signale qu'il existe en pratique d'autres tessitures de voix, intermédiaires aux voix graves et aiguës. Pour les hommes, ces voix sont communément appelées voix de baryton. Pour les femmes, ce sont les mezzo-sopranos.

On peut donc classifier les tessitures comme suit :

  • Voix de femmes et d'enfants :
  • Soprano
    Mezzo-soprano
    Alto
  • Voix d'hommes :
  • Ténor
    Baryton
    Basse

Certaines exceptions peuvent se rajouter à ces classifications, comme les voix de haute contre, voix d'homme exceptionnellement aiguës. Certaines femmes possèdent des voix très graves, appelées femme ténor. On en trouve plus en Europe de l'Est et elles sont très employées dans la musique chorale de Bulgarie.

Enfin, certaines voix virtuoses peuvent atteindre des notes extrêmement aiguës comme les sopranos légers ou sopranos coloratura, celles pour qui fut écrit l'air de la Reine de la Nuit dans La Flûte enchantée de Mozart, ou encore des notes très graves — ces voix sont alors appelées basses nobles ou basses profondes ; on en trouve parfois chez les Russes. Certaines voix d'hommes sont exceptionnellement graves.

Technique

La technique du chant est fort complexe et demande beaucoup de pratique pour pouvoir être bien maîtrisée. Contrairement aux idées reçues, lorsque l'on chante, ce ne sont pas seulement les cordes vocales qui se mettent en action, mais véritablement tout le corps.

En effet, les poumons sont la partie essentielle de l'instrument. Ce sont eux qui fournissent l'air permettant de mettre en vibration les cordes vocales. Le diaphragme (le muscle des poumons) commande l'inspiration. Quand il est en position basse, il cesse son action. L'expiration de l'air se fait alors par les muscles abdominaux, transverses et obliques appuyés sur le grand-droit, eux-mêmes en rapport direct avec les viscères (foie, estomac, intestin…).

C'est le larynx qui renferme les cordes vocales, qui se tendent ou se détendent sous l'action complexe de plusieurs muscles. Pour permettre au chanteur d'émettre des sons de différentes hauteurs, le larynx se tend de façon plus ou moins accentuée. Quand il monte ou descend dans la trachée, il modifie la dimension de la caisse de résonance et modifie en conséquence le timbre, mais pas la hauteur du son.

On distingue quatre façons d'émettre des sons vocaux, en rapport aux différents modes de fonctionnement du larynx, dits mécanismes (B. Roubeau) :

  • Le mécanisme 0 dit Fry ou strowbass
  • Le mécanisme I dit voix de poitrine, le larynx est parfaitement descendu dans la gorge, les sons sont timbrés. Exemple, la basse solo au début du tuba mirum du Requiem de Mozart.
  • Le mécanisme II dit voix de tête, le larynx est monté dans la gorge, les sons sont minces et légers. Exemple l'air de l’Arithmétique dans L'Enfant et les Sortilèges de Ravel « quatre et quatre dix-huit, onze et onze vingt-cinq… ».
  • Le mécanisme III dit « voix de sifflet ».
  • La voix mixte n'est pas un mode de mécanisme du larynx mais une façon d'adapter les résonateurs.

Pour s'exercer le chanteur pratique ce que l'on appelle les vocalises, exercices très variés selon que le chanteur désire travailler le registre aigu ou grave de sa voix.

  • La voix gutturale étant une voix traversant les cordes vocales tout en créant une voix rauque et parfois allant jusqu'à reproduire une voix presque animale. Normalement, si cela est bien produit, aucun dommage de corde vocale n'est possible car aucun problème de perte de voix.
Voix
Voix féminines
Classification moderne Soprano · Mezzo-soprano · Contralto
Classification baroque Dessus · Bas-dessus
Voix masculines
Classification moderne Ténor · Baryton · Basse
Classification baroque Haute-contre · Taille · Basse-taille
Classification des Contreténors Sopraniste · Alto
Hors classification Castrats


Chef de chœur

Dans la musique classique, un chef de chœur, ou cantor, est un musicien chargé de préparer et de coordonner le chant des différents pupitres d'un chœur ou d'une chorale, en vue d'exécuter une œuvre musicale. Il peut être assisté dans son travail par des chefs de pupitre.
  • Lorsque l'œuvre doit être interprétée a cappella, ou accompagnée d'un petit nombre d'instruments réunis pour l'occasion, la direction musicale est normalement assurée par le chef de chœur.
  • Lorsque l'œuvre doit être interprétée avec un orchestre, la direction musicale de l'ensemble ainsi formé, est généralement réalisée par le chef d'orchestre.

Parmi les chefs de chœur célèbres ou bien exerçant ou ayant exercé un rôle important dans la musique vocale, citons Patrick Marie Aubert, Norbert Balatsch, Frieder Bernius, Didier Bouture, Philippe Caillard, Stéphane Caillat,Michel Corboz, Marcel Couraud, Marcus Creed, Laurence Equilbey, Eric Ericson, John Eliot Gardiner, Yvonne Gouverné, Jacques Grimbert,Philippe Herreweghe, Geoffroy Jourdain, Patrick Marco, Arthur Oldham, Michel Piquemal, François Polgar, Toni Ramon, Karl Richter, Denis Rouger,John Rutter, Gerhardt Schmidt Gaden, Robert Shaw, Joël Suhubiette, Michel Tranchant, Sofi Jeannin. Plusieurs parmi eux sont aussi chefs d'orchestre, même s'ils se sont longtemps spécialisés dans la musique avec chœur.

Choriste

Dans la musique occidentale, un choriste est un musicien qui, dans un chœur ou une chorale, interprète collectivement une partie musicale au sein d'un pupitre — contrairement au chanteur soliste, qui, comme son nom l'indique, réalise seul sa partie.

  • Selon le pupitre auquel il appartient, le choriste sera associé à l'un des emplois vocaux traditionnels : soprano, mezzo-soprano, alto, ténor, baryton ou basse.
  • Les connaissances musicales de base — principalement le solfège et la technique vocale —, même si elles sont très appréciées dans une chorale, ne sont pas indispensables dans le chant choral non professionnel. C'est ainsi que, contrairement à ce qui se passe dans le domaine de la musique instrumentale où les connaissances techniques sont difficilement contournables, toute personne chantant juste peut facilement s'intégrer dans une chorale. Devenir choriste est donc un moyen, pour les amateurs n'ayant pas fait d'études musicales, de participer à la réalisation d'œuvres, dont certaines peuvent être de grande envergure.
  • Dans la musique populaire — jazz, rock, musique de variétés — le terme choriste désigne un chanteur qui accompagne le chanteur principal, que ce soit sur un album studio ou en concert. Le mot choriste doit dans ce cas s'interpréter comme la traduction de l'anglais backup (ou backing) vocalist.

Soprano

Dans la musique occidentale, au sein de la classique, le terme soprano désigne avant tout le pupitre dont l'ambitus se situe "au-dessus" (de celui des altos, ténors et basses).

Dans le domaine vocal, il désigne la voix de femme ou d'enfant, soliste ou pupitre. On trouve toutefois également des sopranos masculins : les castrats des périodes baroque et classique ou les garçons avant leur puberté. Les hommes chantant en voix de fausset sont habituellement appelés contreténors ou sopranistes, lorsque leur ambitus se rapproche (cas exceptionnels) de celui du soprano.

On désigne ainsi le soprano comme tout instrument dont l'ambitus se situe au-dessus de tous ceux de sa famille.

Exemple, le saxophone soprano se trouve au-dessus du saxophone alto (le plus connu).

Le développement en puissance et longueur de voix à conduit à l'étude des voix, que l'on nomme aujourd'hui typologie vocale. Celle-ci décrit plusieurs types de sopranos, des plus puissants (soprano dramatique), aux plus aigus (soprano léger).

Tessiture

Dans une partie de chœur, de chorale ou d'ensemble vocal, son étendue va de si2 à do5 (contre-ut), ce qui représente deux octaves. Cette voix y est souvent chargée de chanter la mélodie. S'il s'agit d'un soprano soliste, on parlera alors de sa typologie vocale (ci-dessous)

Dans un édifice polyphonique, si aucune source vocale ou instrumentale particulière n'est mentionnée, le soprano désigne simplement la partie supérieure, située au-dessus de l'alto. Elle n'est donc pas attachée à la tessiture de la voix mais bien à celle de sa famille : du point de vue des tessitures, il n'existe pas de relation stricte entre celle d'un instrument « soprano » et celle de la « voix de soprano » : par exemple, la flûte à bec soprano, « sonne » une octave plus haut que la voix de soprano.

Puissance

En musique classique, la voix est travaillée afin d'émettre une puissance maximale d'au moins 80 dB à un mètre (ce qui correspond alors à une voix dite de salon, ou de concert).

En typologie vocale, on utilise les acceptions modernes : lyrique, lirico-spinto, dramatique, afin de qualifier la puissance de la voix (graduellement dans l'ordre).

Attention tout de même, car si l'on parle de soprano léger, on indique à la fois une voix de faible intensité et d'une étendue vocale plus aiguë.

Placement de la voix

Conforme à l'esthétique classique, la voix de soprano s'est construite sur une esthétique d'homogénéité du timbre (pas de sensation de brisure du grave à l'aigu), et a développé sa puissance sur des techniques de plus en plus exigeantes (taille des scènes). La spécificité de la voix de soprano tient à ce qu'elle travaille souvent ses graves afin de ne pas utiliser sa voix de poitrine, ou le plus légèrement possible.

Alto (voix)

Dans la musique classique, un alto (pluriel : altos ou alti) désigne un type d’emploi dans un chœur, dont l'ambitus correspond à peu de chose près, à la tessiture de la voix de contralto. Cependant, tous les choristes appartenant au pupitre des altos n'ont pas nécessairement une « véritable voix de contralto ». Ce sont bien souvent des mezzo-soprano aux graves aisés, dont la couleur est plus claire que celle d'une contralto.

Si les altos sont fréquemment des choristes de sexe féminin, on peut avoir affaire à des altos masculins dans les deux hypothèses suivantes :

  1. Dans une chorale d'enfants, le pupitre des altos est naturellement composé de garçons possédant les voix les plus graves.
  2. Dans plusieurs ensembles vocaux, notamment ceux interprétant le répertoire de la musique baroque, le pupitre des altos réunit très couramment des hommes utilisant la technique de la voix de fausset — appelés également : contreténors. La présence d'hommes chez les altos apporte parfois une puissance et une brillance supplémentaires à l'ensemble du pupitre, car les hommes chantent dans l'aigu de leur tessiture, alors que les femmes utilisent plutôt leur tessiture grave.

Ténor

Dans la musique occidentale, le terme ténor (du latin tenere = tenir) désigne une tessiture instrumentale ou vocale entre l'alto et la basse. Dans la musique vocale (baroque excepté), elle correspond à la voix masculine la plus aiguë.

Au sens figuré, et en référence aux ténors solistes qui, au XIXe siècle, ont acquis la célébrité dans le domaine lyrique, le mot « ténor » désigne habituellement un homme reconnu pour son talent dans l'activité qu'il exerce.

Exemples : un « ténor du barreau », pour désigner un avocat réputé ; un « ténor de la politique », pour désigner un homme politique célèbre ; etc.

Musique vocale

Au Moyen Âge, le mot ténor a eu diverses significations. Les premières polyphonies médiévales sont presque exclusivement vocales. Cette origine explique que dans un chœur, le mot ténor désigne avant tout un pupitre, dont l'ambitus se situe entre celui des altos et celui des basses. Par extension, le terme désigne également les membres de ce pupitre, et ce, quelle que soit leur véritable typologie vocale.

Lorsque l'écriture musicale deviendra harmonique à partir du XIVe siècle, le terme finit par désigner une voix masculine généralement aiguë, chargée de la mélodie principale — souvent rythmée en valeurs longues — par opposition aux autres voix, supérieures ou inférieures — comprenant des figures rythmiques plus riches et plus variées —, dont la fonction était d'assurer le contrepoint à la partie de ténor.

Dans les conservatoires et les écoles de musique, les devoirs d'harmonie sont encore de nos jours rédigés pour un quatuor comprenant soprano, alto, ténor et basse.

Typologie vocale

Enrico Caruso, un des plus grands ténors

Dans la musique classique, le ténor est le type de voix masculine dont la tessiture est la plus aiguë.

Il va de soi que les voix de jeunes garçons, de castrats et de contreténors sont plus aiguës que la voix de ténor, mais celles-ci sont classées à part parce que leur technique vocale est totalement différente.

Le terme « ténor » est utilisé à la fin du XVIIIe siècle, succédant aux appellations de « taille » et de « haute-contre ».

Il existe plusieurs catégories de ténors qui diffèrent par le caractère des personnages qu'ils interprètent, la vaillance de la voix et la richesse du timbre, la constante étant la tessiture, qui s'étend le plus souvent du do2 au si 3.

Si jusqu'au milieu du XIXe siècle, les aigus étaient émis en « voix de fausset » (falsetto en italien) ou « voix de tête » dans le style baroque, la « voix de poitrine » - plus puissante mais moins étendue - s'est peu à peu imposée à partir des années 1840 sous l'impulsion du ténor français Gilbert Duprez . Cette évolution explique par exemple que, dans l'opéra italien, les œuvres belcantistes (Bellini, Rossini) ont généralement des tessitures élevées mais des instrumentations légères alors que les rôles véristes (Puccini) sont moins aigus mais dotés d'orchestrations plus fournies.

Baryton (voix)

Dans la musique occidentale, un baryton est un chanteur dont la voix possède une tessiture moyenne, entre les ténors et les basses. Le terme — dérivé du grec barytonos : dont la voix a un ton grave — est souvent employé pour désigner une voix de soliste, mais peut également être employé pour une voix au sein d'un pupitre.

Le baryton, voix de soliste

Lorsque le mot baryton désigne une voix de soliste, il désigne le type de voix masculine dont la tessiture est à mi-chemin entre celles du ténor et de la basse.

Le terme n'est apparu qu'à la fin du XVIIIe siècle pour qualifier une catégorie vocale. Antérieurement, ce type de voix était appelé concordant ou baisse-taille.

Il existe plusieurs catégories de barytons qui diffèrent par le caractère des personnages qu'ils interprètent, la vaillance de la voix et la richesse du timbre, la constante restant la tessiture, qui s'étend le plus souvent du sol1 au sol3.

Basse (voix)

Dans la musique occidentale, une basse est un chanteur à la voix grave, chargé à l'origine d'exécuter la partie « basse » d'un chant polyphonique.

Pupitre dans un chœur

Dans un chœur (ou une chorale), le mot basse désigne avant tout un pupitre, dont l'ambitus se situe au-dessous de celui des ténors. Par extension, le terme désigne également les membres de ce pupitre, et ce, quelle que soit leur véritable typologie vocale.

Typologie vocale

En ce qui concerne les solistes, une basse est le type de voix masculine dont la tessiture est la plus grave.

  • Il existe plusieurs catégories de basses qui diffèrent par le caractère des personnages qu'ils interprètent, la vaillance de la voix et la richesse du timbre, la constante restant souvent la tessiture, qui s'étend le plus souvent du mi1 au mi3.

(Source: wikipedia.org - copyright les auteurs - article sous GFDL)

Glossaire

A cappella

A cappella (ou plus rare à capella, a capella et parfois alla cappella) est une expression de la musique vocale indiquant qu'un chant ou une partie d'un chant, à une ou plusieurs voix, est exécuté sans accompagnement instrumental.

Ambitus

En musique, l’ambitus est l’intervalle entre la note la plus basse et la note la plus haute, d’une partition, d’une voix ou d’un instrument, c'est le synonyme du mot registre.
 
Dans le cas d’une pièce de musique, l’ambitus est l’étendue des notes qu’il faudra atteindre pour restituer un morceau.

L’ambitus doit être soigneusement distingué de la tessiture qui désigne quant à elle les notes qu’un interprète peut réaliser sans effort particulier avec sa voix ou son instrument; un interprète peut devoir dépasser sa tessiture d’un certain nombre de notes extrêmes — dans l’aigu ou dans le grave — avec lesquelles il est moins à l’aise afin de restituer tout l’ambitus d’un morceau.

De manière plus fondamentale, la tessiture ou le registre sont liés à la hauteur absolue des notes, tandis que l’ambitus n’est qu’un intervalle, une hauteur relative entre la plus grave et la plus aiguë. L’ambitus mesure ainsi si (à une transposition près) une mélodie est chantable ou jouable sur un instrument donné.

Période baroque

Le baroque couvre une grande période dans l’histoire de la musique. Il s’étend du début du XVIIe siècle environ au milieu du XVIIIe siècle, de façon plus ou moins uniforme selon les pays considérés. De façon nécessairement schématique, l’esthétique et l’inspiration baroques succèdent à celles de la Renaissance et précèdent celles du classicisme.

Hector Berlioz

Hector Berlioz est un compositeur, un écrivain et un critique français, né le 11 décembre 1803 à La Côte-Saint-André en Isère, mort le 8 mars 1869 à Paris.
Il est considéré comme l'un des plus grands représentants du romantisme européen, bien qu'il récusât le terme de « romantique » qui ne signifiait rien à ses yeux.
Il se définissait en fait comme un compositeur classique. Sa musique eut la réputation de ne pas respecter les lois de l'harmonie, accusation qui ne résiste pas à une lecture approfondie de ses partitions.
On y découvre, paradoxalement, que Berlioz respecte les fondements historiques de l'harmonie datant du XVIe siècle (règles régissant les mouvements contraires et conjoints), mais qu'il s'affranchit parfois des règles supplémentaires apparues plus tardivement et esthétiquement discutables (règles de modulation cadentielle entre autres).

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Les castrats

Un castrat est un chanteur de sexe masculin ayant subi la castration avant sa puberté, dans le but de conserver le registre aigu de sa voix enfantine, tout en bénéficiant du volume sonore produit par la capacité thoracique d'un adulte.
 
Le phénomène des castrats apparaît dans la deuxième moitié du XVIe siècle en Occident, se développe principalement en Italie et disparaît entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle. On dit que les meilleurs castrats pouvaient rivaliser en puissance, technique et hauteur avec une petite trompette. Le mot désigne également le type de voix obtenu au moyen de cette opération.

Période classique

La Musique dite « Classique » recouvre par convention la musique écrite entre la mort de Johann Sebastian Bach soit 1750 et le début de la période romantique, soit les années 1820. Par extension, on appelle « musique classique » toute la musique savante européenne, de la musique de la Renaissance à la musique contemporaine. Il convient donc de bien dissocier la musique de style classique, dont les compositeurs phares sont Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven et Christoph Willibald Gluck, et la musique classique opposée à la musique populaire, en Occident ou ailleurs (on parle de « Musique classique indienne », par exemple).

Voix de fausset

Le fausset — ou voix de fausset, ou falsetto, en italien — est une technique vocale utilisant le registre le plus aigu (mise à part la voix de sifflet) — parfois appelé registre de tête, registre léger, ou encore voix de tête — obtenu en empêchant la contraction normale des cordes vocales.
Le terme est surtout appliqué aux chanteurs de sexe masculin, ceci afin de bien distinguer ce type d’émission de voix de la technique opposée, plus habituelle, utilisant la voix de poitrine — ou registre de poitrine —, souvent considérée comme culturellement plus naturelle.
La voix de fausset est peu puissante, mais d’un timbre agréable. Son ambitus (étendue), relativement court, se rapproche de celui du contralto féminin.

L'harmonie

Dans son sens le plus large, le mot harmonie désigne traditionnellement une des quatre composantes de la musique — les trois autres étant le rythme, la mélodie et le timbre.
L'harmonie relève de l'utilisation délibérée de fréquences simultanées, dans la perspective d'apporter relief et profondeur au chant ou au jeu instrumental : elle représente donc l'aspect vertical de la musique, tandis que la mélodie en représente l'aspect horizontal.

Les harmoniques d'un son

Un son est une onde caractérisée physiquement par sa fréquence de vibration ; elle se mesure en Hertz (en nombre de vibrations par seconde). Par exemple, le « la3 » (ou A3) possède une fréquence de 440 Hz. Plus la fréquence est élevée, plus le son est aigu. À hauteurs (donc fréquences) identiques, les sons émis par deux instruments différents (par exemple un violon et une flûte) ne résonnent pas de la même manière. Chacun se caractérise par ce qu’on appelle son timbre qui permet de l’identifier, traduction du fait qu’aucun son naturel n’est réellement simple : il résulte de la combinaison d’un son principal, ou fondamental, qui fixe la fréquence perçue par l’oreille et d’un grand nombre de ses harmoniques dont les pondérations relatives déterminent, précisément, son timbre.

L'instrumentation

En musique, l’instrumentation désigne de façon générale le dispositif, l'effectif, la nature et la répartition des instruments dans un ensemble, notamment ceux de l'orchestre.
Le terme désigne aussi la discipline étudiant ces aspects.

L'instrumentation classe les instruments en huit groupes principaux :

  1. Les cuivres (trompette, cornet à pistons, trombone, cor, saxhorn, euphonium, tuba, etc.)
  2. Les saxophones (sopranino, soprano, alto, ténor, baryton, basse, etc.)
  3. Les bois (flûte traversière, piccolo, clarinette, hautbois, cor anglais, basson, contrebasson, etc.)
  4. Les cordes (violon, alto, violoncelle, contrebasse, etc.)
  5. Les percussions générales (batterie, timbales, grosse caisse, tam-tam, tambours, tambourin, congas, bongos, « cuica », etc.)
  6. Les claviers (piano, clavecin, orgue, etc.), le synthétiseur, les percussions-claviers (célesta, vibraphone, glockenspiel, xylophone, marimba, gongs, cloches, etc.)
  7. Divers (harpe, guitare, guitare basse, accordéon, etc.) ; les instruments anciens (violes, vièles, flûtes à bec, galoubet, flûte de Pan, cornet à bouquin, cornemuse, biniou, etc.)
  8. Les chœurs (voix de femmes, voix d'hommes, voix d'enfants)

Le jazz

Le jazz est un genre de musique né aux États-Unis au début du XXe siècle. Issu du croisement du blues, du ragtime et de la musique européenne, le jazz est considéré comme la première forme musicale spécifique à s'être développée aux États-Unis.

Mélodie

Dans un système musical, le mot mélodie désigne la dimension qui prend en compte les hauteurs émises par une source, individuelle ou collective, instrumentale ou vocale, au sein d'une réalisation musicale quelconque. La mélodie s'oppose principalement au rythme, autre composante de la musique.
Parce qu'elle fait se succéder des sons aux fréquences différentes, une mélodie est une succession d'intervalles. En effet, du point de vue de l'interprète, comme de celui de l'auditeur, chaque note d'une mélodie est déterminée par l'intervalle mélodique qui sépare celle-ci de la note précédente.

Wolfgang Amadeus Mozart

Johannes Chrysostomus Wolfgang Theophilus Mozart, plus connu sous le nom de Wolfgang Amadeus Mozart (né à Salzbourg, principauté du Saint Empire romain germanique, le 27 janvier 1756 – mort à Vienne le 5 décembre 1791) est généralement considéré comme l’un des plus grands compositeurs de la musique classique européenne.
Bien que mort à trente-cinq ans, il laisse une œuvre importante (626 œuvres sont répertoriées dans le Catalogue Köchel) qui embrasse tous les genres musicaux de son époque.
Selon le témoignage de ses contemporains c’était, au piano comme au violon, un virtuose.

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Musique de variétés

Dans la musique populaire, la musique de variétés est un genre musical mis à la mode au cours de la deuxième moitié du XXe siècle par certaines émissions télévisuelles de divertissement, enchaînant différents numéros musicaux « variés », exécutés par des artistes sur la scène le plus souvent derrière une bande sonore préenregistrée (voir playback), et destinés au grand public.

Au départ, le spectacle de variétés est donc dérivé du spectacle de music-hall de la fin du XIXe siècle. On dit aussi « les variétés », ou encore, au singulier : « la musique de variété » ou « la variété ».
 
La musique de variétés est avant tout centrée autour de la danse et de la chanson, genres populaires très dynamiques, caractérisés par une mélodie et des paroles relativement simples, permettant une mémorisation aisée par le grand public. Sans doute à cause de cette facilité d'accès, la musique de variétés est parfois considérée avec une certaine condescendance par les autres courants de la musique populaire qui tentent de s'en démarquer — jazz, blues, rock, etc.

L'essor de la musique de variétés est étroitement lié au développement des moyens de reproduction et de diffusion sonore. Son succès et sa très grande propagation à travers le monde en font souvent un produit de consommation très rentable.

La musique occidentale

La musique occidentale est la musique, populaire ou savante, pratiquée dans les pays européens et américains , ou d'influence européenne, et/ou nord-américaine, et/ou sud-américaine; depuis Charlemagne à nos jours. Ses principales caractéristiques sont :

  • son ancienneté (environ mille ans),
  • sa dimension polyphonique,
  • son système de notation et l'importance qui lui est accordée par opposition à la musique de tradition orale,
  • enfin, la place prépondérante que la musique occidentale a fini par occuper à l'échelle de la planète, souvent au détriment des autres courants musicaux.

La Musique Populaire

La musique populaire est un terme pour désigner un certain type de musique par opposition à la fois à la musique savante et aux différentes musiques traditionnelles.

Le terme musique populaire est employé selon une définition plus ou moins large, on l'appelle aussi musique pop. Initialement utilisé pour toute musique hors le classique, sa définition évolue au XIXe siècle en excluant la musique folklorique, plutôt appelée musique traditionnelle aujourd'hui.

L'octave en musique

L'éthymologie du mot octave vient de la musique : il faut huit notes pour avoir une fréquence deux fois plus haute.
En effet, pour jouer un la au diapason, il faut produire une fréquence de 440 Hz ; pour jouer un la une octave au-dessus, il faut produire une fréquence de 880 Hz, c'est-à-dire, exactement le double.
En musique, une octave est l’intervalle séparant deux sons dont la fréquence fondamentale de l'un vaut le double de la fréquence de l'autre. Divisée en plusieurs sous-intervalles, elle permet de définir les gammes.

Pupitre

À l'origine, un pupitre est un élément de mobilier muni d'un plan incliné permettant de maintenir ouvert un document afin de pouvoir lire, écrire ou tout au moins faciliter sa consultation. Par extension, en musique, le mot revêt plusieurs sens : objet soutenant une partition, emplacement du chef d'orchestre, section d'un orchestre, tableau de contrôle ou de commande d'un orgue ou d'instruments informatisés.

Un support pour la partition

Au milieu du Moyen Âge, dès que la musique occidentale savante a systématisé l'usage de la notation, le pupitre a désigné un meuble servant à soutenir une partition, afin d'en permettre la lecture.

Le poste du chef d'orchestre

"Le" pupitre peut métaphoriquement désigner la place du chef d'orchestre. Ainsi, à la radio, le commentateur appellera parfois le chef d'orchestre par l'expression : « l'orchestre X, avec Y au pupitre ».

Un groupe de musiciens

Dans un ensemble musical, un pupitre désigne un groupe de musiciens exécutant la même partie, comme les ténors dans une chorale ou les deuxièmes violons dans un orchestre symphonique, mais il dénomme aussi un ensemble d'instruments appartenant à la même famille, les bois d'un orchestre d'harmonie ou les cuivres d'un big band.

Maurice Ravel

Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Pyrénées-Atlantiques, 7 mars 1875 – Paris, 28 décembre 1937) était un compositeur français de l’époque moderne.
Son œuvre, fruit d'une recherche obstinée de perfection et d'un héritage s'étendant de Rameau aux pionniers du jazz, dénote un style original qui, après avoir participé au début du siècle du mouvement impressionniste, s'orienta vers un néoclassicisme plus dépouillé.
Reconnu comme un maître de l’orchestration et un artisan méticuleux, cet homme à la personnalité complexe ne s'est jamais départi d'une sensibilité et d'une expressivité qui, selon Le Robert, lui firent évoquer dans son œuvre à la fois « les jeux les plus subtils de l’intelligence » et « les épanchements les plus secrets du cœur ».
Assez peu prolifique (quatre-vingt-six œuvres originales, vingt-cinq œuvres orchestrées ou transcrites), la production musicale de Ravel se caractérise par la diversité des genres et par une proportion notable d'œuvres reconnues comme majeures.
Parmi celles-ci le ballet symphonique Daphnis et Chloé (1909-12), le Boléro (1928), les deux concertos pour piano et orchestre (pour la main gauche, 1929-31 ; en sol majeur, 1930-31) et l’orchestration des Tableaux d’une exposition de Moussorgski (1922) sont celles qui ont le plus contribué, depuis des décennies, à la renommée internationale du musicien.

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Le Rock

Le rock est un genre de musique populaire qui a débuté dans les années 1960.
 
Le genre prend ses racines dans le rock 'n' roll, le rhythm and blues, la country des années 1940 et 1950 ainsi que dans la folk music, le jazz et la musique classique. Il est caractérisé par une mélodie vocale dominante, souvent accompagnée par une (ou plusieurs) guitare électrique, une guitare basse et une batterie, mais peut également être accompagné de synthétiseurs/piano, de cuivres ou d'autres instruments.

Pendant la fin des années 1960 et le début des années 1970s, le rock a développé plusieurs sous-genres. Il a été mélangé avec la musique folk, (ce qui donna le folk rock), avec du blues (blues rock) et avec du jazz (jazz-rock fusion).
Dans les années 1970, le rock fut influencé par la soul, le funk, et la musique latine. Egalement pendant les années 1970, le rock développa beaucoup de sous-genres comme le soft rock, glam rock, heavy metal, hard rock, progressive rock, et punk rock.

Parmi les sous-genres du rock ayant émérgé pendant les années 1980 il y a la new wave, le hardcore punk et le rock alternatif.
Pendant les années 1990, les nouveaux sous-genres du rock incluent le grunge, le Britpop, l'indie rock, et le nu metal.

Un groupe de musiciens spécialisés dans le rock est appelé un groupe de rock. La plupart des groupes de rock sont composés d'un guitariste éléctrique, d'un chanteur principal, d'un bassiste et d'un batteur, ce qui forme un quartet. Certains groupes omettent un ou plusieurs de ces rôles ou comprennent un chanteur jouant un instrument en même tant qu'il chante, formant ainsi un trio ou duo; d'autres comprennent des musiciens supplémentaires comme comme un ou deux guitariste rythmique, ou un clavieriste. Plus rarement, des groupes utilisent également des instruments à cordes comme des violons ou des violoncelles, des instruments à vent comme un saxophone, des cuivres ou des instruments tels que des trompettes ou des trombones.

Plus récemment, le terme rock a été utilisé comme un terme générique incluant des formes comme la pop music, la soul music, et parfois même le hip hop, avec qui il est souvent opposé.[1] Le rock est devenu une véritable "philosophie" avec sa dominance culturelle, du cinéma aux bandes dessinées en passant par la mode vestimentaire.

Gioacchino Rossini

Gioacchino Rossini (ou Gioachino – à l'état civil Giovacchino Antonio Rossini) né à Pesaro le 29 février 1792 et mort à Paris le 13 novembre 1868, est l'un des plus grands compositeurs du XIXe siècle, tant par l'importance et l'étendue de son répertoire que par sa qualité.
Avant tout, son nom se rattache à l'opéra. Aujourd'hui, ses œuvres les plus populaires sont Il barbiere di Siviglia (Le Barbier de Séville d'après Beaumarchais), ainsi que La Cenerentola (d'après Cendrillon), La gazza ladra (La Pie voleuse), L'italiana in Algeri (L'Italienne à Alger) et Guillaume Tell.
L'année 1830 représente une rupture dans la vie de Rossini. Il cesse d'écrire des opéras mais compose toujours, à son propre rythme, de la musique sacrée et de la musique instrumentale jusqu'à sa mort en 1868.

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Le solfège

Dans la musique occidentale, le solfège (ou formation musicale) est l'étude des éléments permettant de lire, écrire, jouer ou chanter une partition. Le but ultime du solfège est de pouvoir entendre une œuvre musicale, son orchestration et son interprétation, sans autre support que son audition intérieure.

Tessiture

En musique, la tessiture d'une voix ou d'un instrument désigne l'ensemble des notes qu’un musicien, chanteur ou instrumentiste, est capable d'émettre facilement, depuis le grave, jusqu'à l'aigu. La tessiture et le timbre servent à classer les voix et certains instruments par catégories ou familles.
Le mot « tessiture » doit être soigneusement distingué du mot ambitus, qui lui, désigne l'intervalle total (entre les notes extrêmes) d'une partie musicale (d'une voix ou d'un instrument).


Date de création : 26/01/2010 22:50
Catégorie : Dossiers - Orchestres / Formations-Définitions
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